Com a década de 1970 no espelho retrovisor, alguns artistas solo se destacam, não necessariamente pela forma como se destacaram na época, mas pela forma como sua música ainda é relevante, como permaneceu influente e pela forma como esses músicos criaram músicas. Existem muitas razões pelas quais os artistas podem ser apreciados pela crítica, mesmo que não tenham todos os sucessos – e não é que não possam ter isso também; Alguns sim – mas esse não é o único critério que consideramos um sinal de sucesso à medida que nos aprofundamos em alguns dos artistas solo mais icônicos da década de 1970.
Os músicos aqui dispensam apresentações, mas destacaremos suas abordagens em seu trabalho e como os resultados ajudaram a moldar a cultura pop, porque embora Captain e Tennille tenham mantido o primeiro lugar por mais tempo em 1975, esses Cats não tiveram impacto real, não como Neil Young, Joni Mitchell, David Bowie, John Prine ou Marvin Gaye. O que tornou estes lendários artistas a solo tão bem sucedidos na década de 1970 foram os seus múltiplos álbuns altamente conceituados que conquistaram críticos, outros músicos e o público, muitas vezes influenciando a forma como pensamos sobre nós próprios e o mundo que nos rodeia. Hoje, esses artistas ainda são mencionados com respeito. Os sucessos da Billboard vêm e vão, mas o poder e a influência musical são os verdadeiros sinais de sucesso.
Marvin Gaye
Embora Marvin Gaye estivesse na Motown desde 1961 e fosse um hitmaker ao longo daquela década, no início da década de 1970 ele estava pronto para expandir suas habilidades musicais e mergulhar na escrita de canções mais pessoais e significativas. Abalado pela Guerra do Vietname e pelas questões sociais e ambientais da época, ele elaborou o seu décimo primeiro álbum de estúdio, “What’s Going On”, que alcançou um tremendo sucesso comercial e de crítica, e a sua influência na arte como comentário social não pode ser exagerada. Outra coisa que o destacou foi que se tratava de um novo tipo de disco de um artista negro, escrito e produzido por Jay, comprovando seu valor criativo. As músicas são intencionais e parecem uma tapeçaria perfeitamente orquestrada quando tomadas como um todo.
Na década de 1970, Gaye lançou vários outros álbuns, incluindo o que o Rock and Roll Hall of Fame chamou de “uma obra-prima temperamental” e o aclamado “Let’s Get It On”, de 1973, que se aprofundou ainda mais no lado sensual de Gaye. No entanto, como observou a BBC, “‘Let’s Get It On’ é um trabalho icônico e estimulante, mas tão cheio de dúvidas e incertezas de Jay”, em parte porque Jay alcançou o auge do sucesso com “What’s Going On” e era difícil saber para onde ir a partir daí. “What’s Going On mudou o som do R&B para sempre, e esse tipo de influência, junto com a atemporalidade do álbum, é difícil de superar”, diz Variety.
Joni Mitchell
Em 1971, Joni Mitchell lançou seu comovente quarto álbum, “Blue”, um disco íntimo e pessoal que lhe rendeu muitos elogios da crítica. Ela já era conhecida como uma poetisa de folk-rock com voz angelical, mas na década de 1970, começando com “Blue”, Mitchell começou a explorar novos caminhos com sua música, fazendo gravações mais jazzísticas e experimentando seu conteúdo lírico. Em 1974, ela teve seu maior sucesso na Billboard com a música “Help Me” de seu álbum “Court & Spark”. Essa música alcançou a sétima posição, mas a produção de Mitchell nunca foi planejada para o sucesso comercial, mas sim para uma expressão honesta de seu ofício. Os críticos notaram, especialmente na década de 1970.
Como aponta Pitchfork, Mitchell “o segue[ed] “Her muse” e seus primeiros dez álbuns, a maioria dos quais abrangendo a década de 1970, estavam entre os melhores lançamentos consecutivos de qualquer artista: “Mitchell foi a primeira escritora feminina de música pop, uma inovadora de talento único, e sua influência foi ampla e imediata… e duradoura.” A escritora do Pitchfork, Jessica Hooper, observou em 2012 que a influência de Mitchell na indústria moderna de “beijar e contar” ainda é visível em artistas como Taylor Swift e St.
Mitchell disse em 2022 que acreditava que, apesar da aclamação da crítica, seus álbuns não receberam a atenção mainstream que deveriam devido à indústria musical dominada pelos homens da década de 1970, dizendo: “As pessoas acharam que era muito íntimo… Acho que deixou as pessoas nervosas” (via BBC). No entanto, ela apreciou que as novas gerações influenciadas por suas composições se sentissem mais confortáveis em confrontar seus sentimentos.
John Prine
John Prine pode ser melhor descrito como um compositor, o tipo de artista que aqueles que entendem do ofício reconhecem como um talento genuíno. Sua história de origem musical confirma isso. Curiosamente, foi relatado pela primeira vez por Roger Ebert em 1970 – sim, o crítico de cinema, que viu Brian tocando regularmente em um pequeno local de Chicago quando ele era um carteiro de 23 anos. Na verdade, ele escreveu algumas de suas canções mais queridas, como “Angel From Montgomery” e “Your Flag Poster Won’t Get You to Heaven Anymore”.
O lendário compositor Kris Kristofferson também tinha ouvido falar de Prine e, em 1971, foi vê-lo em Chicago, no Little Club, onde Prine se apresentava regularmente. Kristofferson, que Prine descreveu à Billboard como “mais quente do que uma arma de dois dólares na época”, sabia que ouviu algo novo e incomum em Prine e o colocou sob sua proteção. Mais tarde naquele ano, Prine lançou sua gravação de estreia autointitulada, seguida por mais três álbuns em 1972, 1975 e 1976, e vários outros após a década de 1970.
Brian nunca foi um hitmaker, mas Terry Rowland do San Diego Troubadour o descreveu em 2020, ano em que morreu, como “um viajante atemporal que relatou a experiência humana com uma simplicidade enganosa. Ele nos fez rir, chorar, pensar e sentir profundamente, e deu fôlego a cantores únicos como Bette Midler (“Hey There”), Bonnie Raitt (“Angel From Montgomery”), Johnny Cash (“Heaven”) e George Strait (“I Just Wanna Dance With You”), através de o poder de suas palavras e a estranheza única de sua mente, ele era a personificação dos três acordes e da verdade.
Neil Jovem
Neil Young ficou conhecido pela primeira vez como membro da banda Buffalo Springfield no final dos anos 1960, mas seu trabalho solo na década de 1970 é frequentemente considerado seu ponto ideal. Young lançou “After the Gold Rush”, que Classic Album Sundays descreveu como “talvez sua primeira verdadeira obra-prima”, em 1970, mas o álbum não teve sucesso mainstream e foi inicialmente criticado pela Rolling Stone. Porém, hoje é visto como um dos melhores da década, apresentando canções como “Southern Man” e “Only Love Can Break Your Heart”. “Harvest”, de 1972, consolidou sua reputação como um artista solo aclamado pela crítica, embora a Rolling Stone também não gostasse desse disco quando foi lançado. Enquanto isso, Guitar.com chamou o álbum de “obra de gênio” em 2021, o que é interessante, já que aquele meio de comunicação informou que Young disse uma vez que a forma como sua música “é vista daqui a 30 ou 40 anos” é o que mais lhe interessa.
Young lançou nove álbuns solo na década de 1970, sem contar seus lançamentos com Crazy Horse. Oito de seus 11 sucessos na Billboard como artista solo foram daquela década, com “Heart of Gold” alcançando o primeiro lugar em 1972. Foi seu segundo hit de maior sucesso, no 31º lugar. A partir daí, Young desenvolveu um trabalho único que explorou lugares sombrios e ainda voltou a brilhar com canções como “Like a Hurricane”, de 1977.
Susan Lacy, criadora ganhadora do Emmy e produtora executiva de “American Masters”, cantou seus elogios, dizendo: “Não há como negar que Neil Young é a realeza do rock mais intransigente da música. Ele é um poeta irreverente com um coração rock ‘n’ roll. Sua música incorpora o arco da experiência americana, desafia pontos de vista autorizados, desafia a indústria rotulada e continua a influenciar músicos e fãs em todo o mundo “(via PBS).
David Bowie
David Bowie era um músico diferente dos outros nesta lista, pois suas habilidades artísticas iam além da arte da música para incluir um forte foco na performance teatral e na expansão dos limites da identidade tradicional. Bowie foi prolífico na década de 1970, lançando 11 álbuns de estúdio, incluindo “The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders From Mars”, “Aladdin Sane” e o que ficou conhecido como “Berlin Trilogy”, “Low”, “Heroes” e “Lodger”.
Enquanto outros artistas nesta lista estavam muito envolvidos na época em que viviam, Bowie estava ansioso e imaginando o que poderia ser. Sua coragem em experimentar lhe rendeu uma legião de fãs e críticos que estão sempre curiosos sobre o que ele fará a seguir. “A década de 1970 continua sendo a era mais visionária de Bowie, uma época em que ele se estabeleceu como o Nostradamus da música pop moderna”, escreveu a revista Time, “pela maneira como ele parecia estar à frente das tendências futuras em termos de identidade e pela maneira como organizamos nossas autoimagens para o mundo hoje por meio de coisas como as mídias sociais”.
Sua música tinha qualidades semelhantes. Robert Hilburn escreveu para o Rock and Roll Hall of Fame: “Bowie produziu algumas das músicas mais emocionantes e influentes da era pop moderna. Quando escreveu sobre os monstros aterrorizantes de sua própria vida em uma sociedade que estava reexaminando seus valores, Bowie previu quase todas as tendências importantes na música pop – desde a confusão de gênero da era glam até o isolamento introspectivo do rock dos anos 1990.”